jueves, 17 de diciembre de 2015

LA IMPORTANCIA DE LAS TEXTURAS

En clases anteriores hemos visto la importancia de la entonación en el sombreado para captar la sensación de luces y sombras de los modelos. Esto sólo no es suficiente para darles forma y volumen, necesitamos también el correcto tratamiento de cada textura y superficie. No podremos tratar el dibujo del modelado y sombreado de igual forma en una tela suave, que en un objeto de cristal o en uno de barro. Para ello debemos ejercitar nuestra mano para conseguir en cada momento la textura y calidad correspondiente. La calidad de un dibujo no está sólo en el modelado de luces y sombras, también en la terminación de sus diferentes texturas.

   Un buen ejercicio para practicar las texturas es el siguiente:

   Dividimos el espacio de nuestro papel con una composición simple de lineas rectas y curvas que se crucen entre ellas, o dibujamos un garabato, como hicimos en clase. Un ejemplo de este ejercicio es Zentangle Art.

   Nos ha quedado la superficie dividida en diferentes espacios que iremos rellenando con todo tipo de texturas y deferentes sombrados y entonaciones que se nos ocurran.

   La idea es conseguir una composición abstracta en la que tengamos desde el negro más intenso al blanco del papel pasando por la mayor cantidad de grises posibles y, por supuesto, la mayor variedad de texturas que seamos capaces de realizar.

Dibujos de Mª Carmen Díaz de Mayorga




Dibujo de Carlos Falgueras


  Al ser una composición abstracta, totalmente creativa y no estar condicionados por intentar representar el realismo formal de ningún modelos, nos dedicaremos más a conseguir entonaciones y texturas diferentes. 

martes, 15 de diciembre de 2015

AUTORRETRATO

Este es trabajo para estas Navidades. La fecha tope de entrega es el lunes 11 de Enero. No olvidad que se trata de un trabajo para experimentar con las distintas propuestas e investigar con vuestra propia imagen,




martes, 1 de diciembre de 2015

APRENDIENDO A MIRAR

 Es lógico al principio ver con verdadero pánico la superficie blanca del papel donde debemos dibujar el modelo que nos hemos propuesto. Diremos que hay que "encajar" las formas y el modelo en el formato del papel, que debemos "encajar" cada objeto simplificándolo en formas geométricas. Pero nos preguntaremos: ¿Dónde, cómo y de qué tamaño dibujo cada una de esas formas geométricas?

  Hay que dejar claro que un dibujo no sale por una inspiración mágica sobre el papel, requiere un razonamiento y un estudio lógico por parte de nosotros. Lo primeo que debemos hacer es mirar y estudiar el modelo, sea lo que sea, una simple manzana, un paisaje o un desnudo.

  Miremos el modelo y estudiemos sus medidas y proporciones.



  Con el tiempo seremos capaces de hacer esta operación mentalmente pero al principio podemos ayudarnos del lápiz o e cualquier instrumento similar, como podemos ver en esta ilustración.


  Estas medidas estudiadas en el modelo las tendremos que trasladar a nuestro formato, siempre procurando que abarquen lo más posible la superficie del papel, a no ser que estemos haciendo una composición en la que se requiera dejar espacios en blanco.

  Saber mirar y estudiar un modelo, estudiar sus medidas y roporciones y saber trasladarlas correctamente al papel es fundamental a la hora de comensar cualquier dibujo.

miércoles, 25 de noviembre de 2015

APUNTES RÁPIDOS

APUNTES RÁPIDOS EN EL CUADERNO DE ARTISTA


Aquí os dejo ejemplos de apuntes rápidos, hechos observando fotografías.

Recordad:

  • No le dediquéis mucho tiempo a cada fotografía.
  • Hacedlos pequeños, en el papel de esbozo.
  • Plantead los apuntes del conjunto de la fotografía o de algún detalle que os llame la atención.
  • Utilizad el lápiz a línea o a manchas tonales muy simples.
  • Esconded la goma de borrar!!
  • Divertiros!!, que es lo más importante.






lunes, 12 de octubre de 2015

ENCUADRE, ENCAJE Y PROPORCION

Os paso varios vídeos para comprender este proceso básico para realizar cualquier dibujo, especialmente bodegones. El asunto principal es la medición de las proporciones de un modelo natural para encajar, dentro del formato del papel que tengamos, el dibujo de los elementos de la composición contenidos en el encuadre.





martes, 15 de septiembre de 2015

MATERIALES BÁSICOS PARA EL DIBUJO

Como dijo Matisse:
Los medios más sencillos son los que permiten al artista expresarse mejor.

  Un humilde lápiz y un simple papel es lo único que necesitamos para dibujar. Os contaré más de ellos para conocerlos y aprender a utilizarlos mejor.

  El grafito, descubierto en 1560 en las minas inglesas de Cumberland, mezclado con más o menos arcilla componen la mina interior de los lápices. Los fabricantes de calidad superior distinguen la dureza de la mina según las letras H para los de mina dura y B para los de mina blanda.

  Si tenemos en cuenta que los lápices HB son de una dureza intermedia ideal para escribir, los H (1H, 2H, 3H, 4H, ...) son lápices de mina dura perfectos para el dibujo técnico, nos quedan los B (1B, 2B, 3B, 4B, ...) como los más idoneos para el dibujo artístico.


  Hay que tener en cuenta que cuanto más alto es el número más blanda es la mina y más negro dibuja. Para empezar tendremos suficiente con tener, por ejemplo, tres o cuatro lápices del 2B, 5B, 8B, ...

  En cualquier papel, en principio, podemos dibujar. Hay grandes obras maestras dibujadas en papeles de lo más vulgar. Sin embargo es bueno que sepamos distinguir los papeles normales, de calidad corriente, de los papeles de alta calidad. Veamos primero los acabados y texturas:
  • Papel satinado. Sin apenas grano, perfectos para dibujos a tinta.
  • Papel grano fino. Perfectos para el dibujo a lápiz de grafito, o lápices de colores.
  • Papel de grano medio. Ideales para el dibujo a creta, sanguina o pastel.
  • Papel verjurado Ingres. Blanco o de color, es uno de los más tradicionales en el mercado. Su textura lo hace perfecto para el dibujo a carbón, pastel, cretas o sanguina.
  • Papel Canson. Blanco o de colores nos ofrece una textura más gruesa por una cara y un grano medio por la otra, esto hace que sirva para cualquier técnica de dibujo.
   En cuanto al grosor del papel hay que saber que se mide por su "gramaje", por el peso de un metro cuadrado. Por ejemplo, un papel de 370 g será mucho más grueso que otro de 90 g del mismo tipo. Para apuntes y esbozos no es necesario usar un papel de mucho gramaje ni de gran calidad. Para los dibujos más trabajados y con una terminación mejor será necesario emplear un papel de más gramaje y calidad apropiada para le técnica de dibujo empleada.
  El papel de dibujo se sirve normalmente en formato bloc, aunque también podemos encontrarlo en pliegos de diferentes medidas, especialmente los de alta calidad. Estos últimos llevan siempre su marca de fabricación grabada en seco o al agua en uno de sus ángulos, las más prestigiosas son Arche, Canson, Fabriano, Schoeller, Whatman, Winson & Newton, entre otras.

  Nosotros vamos a utilizar para empezar un bloc de esbozo formato A4 (tamaño folio) para los apuntes, esbozos y trabajos que no requieran de mucha terminación, y para los dibujos más trabajados y con una terminación de mayor calidad un bloc de formato A3 (doble folio) de papel de grano fino y gramaje de 130 o 150 g, por ejemplo el Canson tipo Basik de 130 g



   Junto al lápiz siempre será bueno tener una goma de borrar, tanto para corregir trazos erróneos como para recortar o abrir blancos, más para estos dos supuestos que para corregir errores. Cuando borramos en exceso lo único que conseguimos es deteriorar la fibra y el grano del papel y mancharlo. Ante grandes errores es mejor cambiar de paepl y comenzar de nuevo que borrar.

  Hay muchas gomas de borrar en el mercado, pero no hay que complicarse mucho, una goma normal tipo MILAN es lo mejor para borrar el grafito.


  Cuando trabajemos con carboncillo necesitaremos una goma especial blanda y maleable conocida como "de miga de pan".


  Con estos simples materiales, más un buen sacapuntas para los lápices, rotuladores, bolígrafos y tinta, de la que ya os hablaré en otro momento y muchas ganas de dibujar y expresar con líneas y manchas lo que vemos o lo que sentimos, es más que suficiente.

lunes, 14 de septiembre de 2015

DIBUJO ARTÍSTICO I

 


¿QUÉ ES EL DIBUJO ARTÍSTICO?


OBJETIVOS

1. Conocer la terminología básica de la materia, así como los materiales y procedimientos adecuados al fin pretendido.
2. Adquirir el dominio de las técnicas al servicio de las ideas y proceder de una manera racional y ordenada en el trabajo.
3. Conocer los principios básicos del signo visual, y en particular de la forma, distinguiendo sus características configurativas y aplicándolas a las particularidades de los signos visuales gráficos, para emplearlos en la representación analítica de objetos del entorno.
4. Comprender y analizar la realidad formal de los objetos con referencia a su organización estructural implícita o explícita, y a sus relaciones espaciales.
5. Comprender la distinta importancia de los datos visuales que forman el conjunto de las formas, representándolos prioritariamente según su importancia en el conjunto e ignorando detalles superfluos.
6. Distinguir la riqueza de posibilidades expresivas que contienen potencialmente los diversos materiales, procedimientos y técnicas de representación, sirviéndose de ellos para enriquecer las intenciones expresivas, y apreciando su utilización adecuada a la finalidad pretendida.
7. Conocer las bases teóricas sobre el color que permitan su aplicación plástica de un manera razonada.

CONTENIDOS

DIBUJO ARTÍSTICO I

 

Sus contenidos se presentan agrupados en los siguientes núcleos temáticos:
1. La forma.
2. Las formas asociadas. La composición.
3. El claroscuro.
4. El color.
5. El concepto de Dibujo y su importancia en la Historia del Arte. Introducción a los estilos.  

1. La forma

Contenidos y problemáticas relevantes.
A través del desarrollo de este núcleo temático se capacitará al alumnado para observar y analizar elementos formales, así como su plasmación en un espacio gráfico bidimensional que demuestre su capacidad plástica expresiva.
El alunado conocerá la terminología específica de la materia. También comenzará a utilizar correctamente los procedimientos y materiales propuestos. De esa manera, aprenderán a ser capaces de seleccionar, relacionar y emplear con criterio el lenguaje, los fundamentos y los materiales, adecuándolos a la consecución del objetivo plástico deseado.
Los contenidos más relevantes de este núcleo van ligados a la introducción a la terminología, conceptos, materiales y procedimientos, así como al estudio de los elementos básicos en la configuración de la forma. La línea como elemento configurador de formas planas y volumétricas, dedicando especial atención a la aplicación de la perspectiva en el dibujo artístico y el estudio de las proporciones.
Entre las cuestiones que se pueden plantear como generadoras de debate están: ¿Cuáles son las técnicas secas más habituales aplicadas al dibujo?, ¿qué importancia tiene la gestualidad de la línea en la expresión final de una obra gráfica?, ¿qué conceptos de perspectiva cónica debemos emplear al plasmar una forma tridimensional?

2. Las formas asociadas. La composición.

Contenidos y problemáticas relevantes.
Tras el estudio de estos contenidos el alumnado será capaz de describir gráficamente conjuntos de formas, prestando especial atención a sus organizaciones estructurales, a la proporción y a las deformaciones perspectivas, plasmándolo en un espacio bidimensional por medio de recursos descriptivos dibujísticos claros y adecuados que permitan la comprensión del conjunto, evidenciando tanto los datos explícitos como los implícitos. Para ello será necesario que conozca las leyes fundamentales de la psicología de la forma. Esto permitirá valorar el desarrollo de su capacidad cognitiva y deductiva y su capacidad de discernir entre lo necesario y lo superfluo, huyendo de la representación mimética.
Los contenidos más relevantes de este núcleo temático serán la psicología de la forma y las leyes visuales. La organización compositiva: simetrías-contrastes-tensiones, el equilibrio y las direcciones visuales.
Entre las cuestiones que se pueden proponer para debatir están: ¿Qué indicadores de profundidad se pueden analizar en una determinada composición?, ¿cuál es el esquema compositivo de una obra?, ¿cuál es el punto de máximo interés y las tensiones de ésta?, etc.

3. El claroscuro.

Contenidos y problemáticas relevantes.
Con el desarrollo de este contenido debe capacitarse al alumnado para representar gráficamente objetos de marcado carácter volumétrico por medio de línea y mancha, sabiendo traducir el volumen mediante planos de grises y analizando la influencia de la luz en la comprensión de la representación de la forma.
Debe conseguirse el dominio de lo medios plásticos necesarios y más adecuados para crear un efecto volumétrico de los objetos en armonía con la gran diversidad de superficies existentes en la naturaleza analizadas desde el punto de vista lumínico y textural.
Los contenidos más relevantes de este núcleo temático se centran en el estudio de la naturaleza de la luz. El concepto de mancha como elemento configurador de la forma y la importancia del claroscuro para la expresión del volumen.
Entre las cuestiones que pueden plantearse para generar debate están: ¿Cuál es la dirección de la luz empleada en una determinada composición? ¿Cómo influye el uso de un determinado tipo de iluminación en la expresividad final de una obra?

4. El color.

Contenidos y problemáticas relevantes.
Este núcleo temático debe desarrollar los fundamentos físicos y químicos del color, así como su terminología básica.
Otra cuestión importante que debe plantearse al desarrollar este núcleo temático es la plasmación, la comprensión y asimilación de estos conocimientos en la aplicación práctica a través de representaciones plásticas, atendiendo a la modificación del color producida por la incidencia de la luz dirigida con ese fin. De esta manera se evaluará la correcta utilización de las escalas lumínicas cromáticas.
Los contenidos más relevantes de este núcleo temático serán un amplio desarrollo de los conceptos más relevantes de la teoría del color: percepción, color, luz-color, saturación, tono-valor, relaciones armónicas, contraste e interacción del color.
Las cuestiones que podemos plantear y que serán generadoras de debate son: ¿Qué entendemos por una composición cromática en armonía o en contraste? ¿Qué influencia tiene un determinado foco de luz artificial en la percepción del color en una composición? ¿De qué manera funciona un determinado color en distintas composiciones atendiendo a la interacción que produce con otros?

5. El concepto de Dibujo y su importancia en la Historia del Arte. Introducción a los estilos.

Contenidos y problemáticas relevantes.
Será necesario tener en cuenta que este punto debe presentarse de una forma ágil y somera para no cargar en exceso la programación, extrayendo sólo aquellos conceptos que completen a los ya tratados en otros puntos que conforman la estructura general de la programación. Debe, por tanto, orientarse más a la obtención clara de unas herramientas de análisis que a la asimilación de unos datos cronológicos, aspecto narrativo que concierne a la asignatura de Historia del Arte.
Siempre que los contenidos de la programación hagan referencias a obras de arte reales, deberían tenerse en cuenta, además de otras, aquellas referidas a autores andaluces o a características específicas de las manifestaciones más próximas de nuestro entorno. Sería enriquecedor realizar visitas a exposiciones, si el avance en la programación lo permite.
Los contenidos más relevantes de este núcleo temático serán la importancia del dibujo a lo largo de la historia. Breve repaso de los estilos a través de la obra gráfica de las distintas épocas.
Las cuestiones que podemos plantear y que serán generadoras de debate son: ¿Cómo se manifiestan las características artísticas de los diferentes estilos en el dibujo?, ¿qué concepto de dibujo tienen los autores más relevantes de la Historia del Arte?


CRITERIOS DE EVALUACIÓN

La evaluación constituye un elemento básico para la orientación de las decisiones curriculares. Permite definir adecuadamente los problemas educativos, emprender actividades de investigación didáctica, generar dinámicas de formación del profesorado y, en definitiva, regular el proceso de concreción del curriculum a cada comunidad educativa.
Los criterios de evaluación, que a continuación se relacionan, deberán servir como indicadores de la evolución de los aprendizajes del alumnado, como elementos que ayudan a valorar los desajustes y necesidades detectadas y como referentes para estimar la adecuación de las estrategias de enseñanza puestas en juego.

1. Conocer la terminología específica y utilizar los materiales y técnicas de representación, demostrando en las realizaciones un progreso en el conocimiento de sus posibilidades representativas y expresivas, así como el uso selectivo de las mismas acorde a la finalidad propuesta.

2. Representar y analizar formas simples siguiendo en su percepción y representación un proceso ordenado: desde la observación previa, su conceptualización como un todo, comparación de las partes entre sí y con el todo, representación de la forma alternando con la observación, reflexión sobre el proceso y comparación con dibujos de etapas anteriores, crítica de las partes del proceso en las que la actuación no ha sido acertada, hasta la repetición de la actividad teniendo en cuenta dicha crítica.

3. Describir gráficamente objetos de entorno, utilizando la línea como herramienta descriptiva de la forma, distinguiendo en ella los elementos estructurales básicos (tanto vistos como ocultos) y matizando en su representación las particularidades de las propias formas (rugosidad, suavidad, dureza, texturas, etc.).

4. Expresar mediante representaciones lineales el carácter peculiar de formas del entorno, destacando prioritariamente los aspectos singulares de sus configuraciones y eliminando la información superflua o anecdótica.

5. Realizar representaciones cromáticas de formas simples, utilizando como único recurso de representación la mancha de color y distinguiendo las variaciones que producen en las superficies los distintos tipos de incidencias lumínicas (luces tenues, contrastadas, filtradas, etc.).

6. Realizar distintas variaciones de relación de formas simples, entre ellas y con su espacio de representación, describiendo claramente qué intención es la que motiva la realización de cada organización.

7. A partir de la realización de variaciones de relación de formas, tales como las descritas en el criterio anterior, y mediante el empleo de tintas planas, completar y modificar las relaciones entre las formas y el entorno utilizando los conceptos de armonía (de afinidad y de contraste) cromático, con el fin de acentuar o modificar las relaciones anteriores.

8. Realizar representaciones de objetos cuya iluminación confiera un marcado carácter volumétrico, mediante el empleo de líneas monocromas en primer lugar, manchas monocromas en segundo lugar y mediante el uso de gamas cromáticas posteriormente.

9. Mostrar el conocimiento de las leyes perceptivas y compositivas mediante la selección de imágenes de distinta procedencia (publicidad, prensa, pintura, escultura, arquitectura, etc.) y el comentario detallado de las mismas.